Aufmerksamkeitsökonomie

Popkontext.de - Webseite!

2009-06-08T02:06:00.003+02:00

Seit zwei Wochen ist meine neue Webseite Popkontext.de online. Da werde ich ab sofort alle längeren Texte und Bildstrecken einstellen.

In absehbarer Zeit werde ich der Seite auch ein schickeres Kleidchen verpassen und ein vernünftiges CMS installieren. Bis dahin noch etwas im Old School-Design als Trabbi unter den Déesen.

Party Lights

2009-05-30T18:03:00.003+02:00

Support Your Local Subculture

2009-05-30T17:58:00.002+02:00

Der Ball muss weiter rollen

2008-11-18T00:06:00.001+01:00

Der Hessische Rundfunk plant die Abschaffung der letzten qualitativ hochwertigen Musik-Autorensendungen in seinem Programm. Wegen mangelnder Quoten, im Sinne der "Durchhörbarkeit" (aua).

Betroffen ist unter anderem die Sendung "Der Ball ist rund" von Klaus Walter. Seit 25 Jahren im Programm, ist sie inzwischen eine Institution, die mehrere Generationen musikalisch sozialisiert hat. Walter ist einer der mit Abstand kompetentesten Musikjournalisten Deutschlands, der auch mit über 50 noch am Puls neuer musikalischer Entwicklungen ist.

Qualifiziertes Autoren-Musikradio darf nicht nur noch ehrenamtlich bei Byte.fm oder den Bürgerradios stattfinden. Dafür zahlen wir auch Rundfunkgebühren! Da dies auch Signalwikung auf den Rest der deutschen öffentlich-rechtlichen Radiolandschaft hat, und unterstützt untenstehende Petition für den Erhalt dieser großartigen Sendung und leitet den Link an gleichgesinnte Leute weiter: www.derballistrund.org

Hier eine Artikel aus der FR-Online. Und ein Interview mit Klaus Walter in der Spex.

Beate

2007-12-31T19:29:00.000+01:00

Tod eines "Fast-Beatnik-Abenteurers"

2007-11-17T22:35:00.000+01:00

Am vergangenen Samstag starb der US-amerikanische Schriftsteller Norman Mailer. Er war einer der letzten der Generation der großen Nachkriegsschriftsteller des Landes. Bereits mit seinem Debütroman „Die Nackten und die Toten“ betrat er 1948 auch die internationale Literaturbühne. Bis zuletzt blieb er ein provokanter und streitbarer Geist, der sich nicht immer Freunde machte, sondern stark polarisierte. Viele Fehler sah er später selbst ein, aber er blieb seinen grundsätzlichen Idealen treu.

Seinen ersten Pulitzer-Preis gewann Norman Mailer für sein Buch „Armies of the Night“, „Heere der Nacht“. Darin beschreibt er in den Marsch auf den Pentagon im Oktober 1967. Tausende Demonstranten, viele von ihnen Hippies, wandten sich am Ende des Summer of Love gegen die Vietnamkriegspolitik der US-amerikanischen Regierung.

Auf die literarische Bühne war er bereits 1948 mit seinem Debütroman „Die Nackten und die Toten getreten. In diesem Antikriegsroman verarbeitete er seine Erfahrungen als Soldat im Pazifik. Er gilt bis heute als einer, wenn nicht der, wichtigsten Antikriegsromane des Jahrhunderts. Hier ist bereits ein zentrales Thema festgelegt, die Mailers Werk begleiten sollen. Er beschrieb weniger die Kampfhandlungen, als die psychische Disposition der Soldaten, die Zerrissenheit von Menschen in einer kalten, brutalen industrialisierten Gesellschaft, die als Ideale Freiheit und Selbstverwirklichung preist.

Mailer war 1923 in einer jüdischen Familie im New-Yorker Stadtteil Brooklyn groß geworden. Der Vater war Bekleidungshändler, nicht besonders geschäftstüchtig, aber äußerst stilvoll. Die Hosen im Haus hatte die Mutter an, deren Vater wiederum einer der wichtigsten Rabbies der Stadt war. Abgesehen davon, dass ihn die Mutter maßlos verwöhnt haben soll, zeigte er in der Schule herausragende Leistungen.

So wurde er bereits mit 16 Jahren an das Harvard College zugelassen, um Luftfahrtbau zu studieren. Das schloss er 1943 erfolgreich ab. Jedoch hatte er in dieser zeit die Literatur für sich entdeckt und war entschlossen, Schriftsteller zu werden. Bis zu seiner Einberufung ein Jahr später schrieb er an einem unveröffentlichten Roman und besuchte Schreibkurse. Dort lernte er nach eigenen Angaben, wie man es nicht machen soll.

Nach der Veröffentlichung seines Debütromans sollte er nie wieder unumstritten sein. Er ging zunächst mit einem Freund nach Hollywood, wo er als Drehbuchautor grandios scheiterte. Die darauffolgenden beiden Romane blieben weit hinter dem Erstling zurück.

Beeinflusst von der lebendigen und wegweisenden Kulturszene im New Yorker Greenwich Village, war er einer der Gründer der einflussreichen politischen Kulturzeitschrift „Village Voice“. Er bezeichnete sich selbst als „Fast-Beatnik-Abenteurer“. 1957 veröffentlichte er einen Schlüsseltext der aufstrebenden Popkultur, „The White Negro“, „Der weiße Neger“. Diese erschien zwei Jahre später in der Essay-Sammung „Advertisments for Myself“, „Werbung für mich selbst“. Diese setzte ihn wieder auf den Plan der Literaturszene und bewies, dass er keine Eintagsfliege war.

Mit den 60er Jahren war Mailers Zeit gekommen: Verhaltenskodexe änderten sich, neue sichtweisen setzten sich durch und er war mittendrin. Für Esquire und andere Publikationen kommentierte er als scharfer, meinungsfreudiger Beobachter die sozialpolitischen Umbruchsjahre. Ein Artikel über John Kennedy, „Superman Comes to the Supermarket“, soll sogar der Wahl Kennedys zum Präsidenten nachgeholfen haben. Selbst aktiv in der Anti-Vietnamkriegsbewegung, wurde sein Roman „Armies of the Night“ zu einem der besten Zeitzeugenberichte und Kommentare zu dem Thema. Er war einer der Mitbegründer des New Journalism-Stils, einer Verbindung von Tatsachenbericht und Erzählform des Romans.

Ende des Jahrzehnts wandte er sich auch wieder dem Film zu, wobei er sich am Stil Andy Warhols orientierte. Legendär wurde eine Szene aus „Maidenstone“, wo er dem Schauspieler Rip Torn in einem nicht inszenierten Zweikampf ein Stück Ohr abbiss. Mailer wurde immer wieder für seine vermeintliche Romantisierung von Gewalt angegriffen. Er war immer kampfeslustig, zumeist glücklicherweise verbal. So führte er mit Schriftstellerkollegen wie Gore Vidal legendäre Fehden, über die er sich profilierte. Betrunken ließ er sich jedoch auch gern auf physische Schlägereien ein, neigte zu häuslicher Gewalt und verletzte seine zweite Ehefrau einmal schwer mit einen Messer.

Der testosteronstrotzende Macho und wurde so zum klischeemäßiges Feindbild für die aufstrebende Frauenbewegung: sie betrachteten ihn als ein chauvinistisches Schwein. Mailer war niemand der klein bei gab und schoss zurück. Oft genug war er allerdings nur ratlos und verstand nicht, wo das Problem lag. Die prominente Frauenrechtlerin Gloria Steinem gab ihm bei einem Abendessen den Tipp: „Wenn du wissen willst, was die Frauen gegen dich haben, versuch doch einfach mal deine Bücher zu lesen.“ Als Reaktion auf die Angriffe erschien 1971 „Prisoner of Sex“, „Gefangener des Sexus“.

1979 gewann er mit dem Tatsacheroman „The Executioners Song“, „Gnadenlos“, seinen zweiten Pulitzer-Preis. Er sollte sein letzter großer Erfolg sein. Er schriebt hier über den ersten Verbrecher, der seit Wiedereinführung der Todesstrafe in den USA hingerichtet wurde, Gary Gilmore.

Mailer sah sich vor allem als Romanschreiber, musste sich jedoch sein nötiges Kleingeld mit journalistischer Arbeit und Sachbüchern wie Biografien über Pablo Picasso und Marilyn Monroe verdienen. Er hatte sechs Ex-Frauen und neun Kinder auszuhalten und war trotz des Erfolgs oft in finanziellen Schwierigkeiten. Jedoch frönte er ausgiebig dem Promi-Dasein, dass er als einer der ersten überhaupt für sich konzipiert, gesucht und gefunden hatte. So war er Dauergast in diversen Fernsehtalkshows

Bis zu seinem Tod blieb Mailer ein scharfer politischer Kommentator, der sich für Menschenrechte und gegen Kriege wie den Irakkrieg aussprach. 2005 übergab er sein privates Archiv für 2,5 Millionen Dollar an die Universität Texas. Zuletzt sorgte er mit seinem Roman „The Castle in the Forest“, „Das Schloss im Wald“ für Aufsehen. Hier brachte er in einer vage biografischen Beschreibung Hitlers Zeugung und Kindheit und das absolut Böse zusammen. In seinen letzten Tagen fand der ehemalige linke Atheist auch noch zu Gott, wenn auch nur bedingt zu einem christlichen. „Ich glaube an Reinkarnation,“ sagte er in einem seiner letzten Interviews „Allerdings nicht für jeden. Es ist eine Art Auszeichnung.“

Für 'ne Frau gut?

2007-10-28T15:54:00.000+01:00

von Barbara Mürdter

Audio:

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Text erschienen bei langeleine.de.

Was macht der Feminismus heute? Gibt es ihn noch? Muss es ihn noch geben, wo wir eine Bundeskanzlerin haben und man vermehrt Männer auf der Strasse sieht, die Kinderwagen schieben?

Die Massenmedien berichten hin und wieder über das so genannte Gender-Mainstreaming, die Unterschiede zwischen den Einkommen von Männern und Frauen, oder krude Anti-Feministinnen wie Eva Herrmann. Feminismus an sich wird immer noch mit den 70er Jahren und Alice Schwarzer verbunden. Mit der Assoziation verstaubt, vorbei, alles in Butter.

Das will nun die Autorin Sonja Eismann ändern. In einem Essayband lässt sie 28 jüngere Frauen zum Thema Feminismus und weibliche Identität in der Popkultur zu Wort kommen.

Du bis so gut im Kinderkriegen
du bis so gut im Tütenschleppen
du bist so gut im Hinternwackeln
du kannst auf hohen Schuhen gehen
Wie hast du das geschafft? - Mann hast du viel Kraft
Wie hast du das geschafft? - Hast du keine Angst?
Wie hast du das geschafft? - Wer hat dir das beigebracht?
Da sagt der Typ als Kompliment:
...Für ne Frau gut

Hans-A-Plast "Für 'ne Frau"

Für ne Frau gut – das sang die Hannoversche Punkband Hans-A-Plast um 1980. Nicht mehr aktuell oder kommt da doch der einen oder anderen etwas bekannt vor?

Sonja Eismann, Journalistin und Autorin hat in einem neuen Band mit Essays von Feministinnen von heute zusammengestellt. Sie geben vielfältige Einblicke in die Lebensrealität junger popkultursozialisierter Frauen.

Sie stehen nicht mehr mit Plakaten auf Demos, um für ihre Rechte zu kämpfen. Feminismus hat sich vielfach in den kulturellen Bereich verlagert. Hier drücken sie sich aus und leisten Widerstand gegen sexistische Bewertungen und Ausschlussmechanismen. Sie unterstützen ihre Freundinnen und ermutigen andere Frauen aktiv zu werden.

„Hot Topic“ nannte Eismann das von ihr herausgegebene Buch – brennendes Thema. Im Vorwort bemerkt sie, dass zu aktuellem Feminismus und Popkultur seit zehn Jahren in Deutschland keine Literatur erschienen ist. Anders in den USA. Dort entwickelte sich in den 90er Jahren der so genannte Third Wave Feminismus. Dieser baute auf dem Feminismus der 70er Jahr auf, verschob aber die Schwerpunkte entsprechend den aktuellen Gegebenheiten und Einsichten. Auch hier verlagerte sich der feministische Aktivismus in den kulturellen Bereich. Die Entwicklung wurde vielfach in Buchform dokumentiert. Auch in der deutsprachigen Welt gibt es zahlreiche Aktivitäten wie weibliche DJ-Crews, Bands und die aus den USA stammenden Ladyfeste. Jedoch fehlte die Literatur.

Entsprechend thematisch zusammengewürfelt sind die 28 kurzen Aufsätze, die Eismann ganz bewusst nur von Frauen angefragt hatte. Einen Quotenmann hielt sie für ein unnötiges und falsche Feigenblatt. Im ersten Teil des Buches geht es um den weiblichen Körper als gesellschaftliches Schlachtfeld - Magersucht als Reaktion auf gesellschaftliche Ohnmacht, lustvolle Sexualität und Verhütung, unziemliche Körperbehaarung und Geschlechtsidentität. Im zweiten Teil des Buches befassen sich die Autorinnen mit Erfahrungen im Alltag – sei es auf der Arbeit, beim Fußball spielen, Musik machen oder feministischem Aktivismus. Hier geht es nicht mehr darum, dass man als Ehefrau die Erlaubnis des Gatten braucht, um einer Berufstätigkeit nachzugehen. Das Gesetz wurde 1976 auf Druck der damaligen feministischen Bewegung abgeschafft. Hier geht es um viele kleine Diskriminierungen und sexistische Selbstverständlichkeiten, die in unserem Denken und Handeln festsitzen. Auch in dem von Frauen selbst. Was nicht verleugnet, das viele – auch an sich pro-feministische – Männer ihre privilegierte Stellung bewusst verteidigen, wenn es ans Eingemachte geht.

Fast alle Autorinnen berichten aus der persönlichen Erfahrung, die sie dann in einen größeren Zusammenhang stellen. Das macht das Buch auch für Nichtakademikerinnen leicht und nachvollziehbar lesbar. Die Themen können in der Kürze nur angerissen werden. Sie geben aber einen guten Überblick über verschiedene aktuelle Diskurse. Das Buch ist jüngeren Frauen zu empfehlen, die sich nicht sicher sind, inwieweit sie auf Sexismus im Alltag überempfindlich reagieren oder ob andere ähnliche Erfahrungen machen. Zudem gibt es Anregungen zu eigenen Aktivitäten, leider zu wenige und ohne konkrete Ansprechpartner, wie in den US-amerikanischen Publikationen üblich.

Das Buch sei aber auch interessierten Männern empfohlen. Vielleicht geht es ihnen dann ähnlich wie einem zitierten Professor, der eine Studie über Abtreibung machte. Bei der Veröffentlichung stellte er perplex fest: „Ich hatte mir bisher noch nie Gedanken darüber gemacht wie es ist, eine Frau zu sein.“

Hot topic is the way that we rhyme
Hot topic is the way that we rhyme

So many roads and so much opinion
So much shit to give in, give in to
So many rules and so much opinion
So much bullshit but we won't give in
Stop, we won't stop

Le Tigre - Hot Topic

„Hot Topic“ – Popfeminismus heute von Sonja Eismann (Herausgeberin) erschien im Ventil Verlag und kostet 14,90 Euro.

Free Burma

2007-10-04T13:51:00.000+02:00

Flatstock Europe 2

2007-10-01T17:52:00.000+02:00

Text und Fotos: Barbara Mürdter

Das zweite Flatstock Europe, eine internationale Zusammenkunft von Posterkünstlern, was im Rahmen des Reeperbahnfestivals in Hamburg stattfand, fiel dieses Jahr, was die Anzahl der anwesenden Vertreter/innen der Zunft anging, sehr dürftig aus. Grund: Die Veranstalter konnten sich nicht ausmähren und waren sich erst fünf Wochen vor der Veranstaltung sicher, dass sie das jetzt doch machen wollen. Zu spät vor allem für die Künstler aus Übersee, die keine billigen Flüge mehr bekamen.

Lil Tuffy, San Francisco

So standen nur neun mickrige Zeltchen auf dem Spielbudenplatz, unter anderem von Lil Tuffy, der schon letztes Jahr dabei war und sich sofort in Hamburg verliebt hat, weil es so ähnlich wie das heimatliche San Francisco sei. Die räumlich offenere Lösung - Einzelzelte und freier Raum in der Mitte im Gegensatz zu einem großen Zelt im letzten Jahr - wäre wunderschön gewesen bei Sonnenschein. Nur leider hat man Ende September auch gern mal Regen und Wind, was sich bei Postern gar nicht gut macht. So mussten die Ausstellungsstücke am ersten Tag festgeschnallt und am letzten vor dem Dauerregen in Sicherheit gebracht werden. Der Umsatz stimmte trotzdem, sagten die Beteiligten.

Dan MacAdam, Chicago

Dan MacAdam, Mitorganisator des American Poster Institute (API), sprach von einem "break even", also dass er zumindest seine Kosten wieder reingekriegt und vielleicht sogar ein wenig Profit gemacht hat. Was allerdings auch darauf hinweist, dass die meisten Posterkünstler noch "richtige" Jobs haben, von denen sie leben, wie Fritte aus Düsseldorf meinte.

Fritte, Düsseldorf

Er erklärte mir auch, den fundamentalen Unterschied zwischen den "Posterszenen" in den USA und Europa. Hier ist das Plakat für die ganze Tour, das im Offset-Druck hergestellt wird und dann einen weißen Streifen für den jeweiligen Ort bekommt, üblich. Das bei uns exotische Siebdruckposter in einer Auflage von zumeist maximal Hundert, das nur für einen Abend wirbt, ist dagegen in den USA gang und gäbe.

Casey Burns, Portland, Oregon

So gab es das Flatstock, die Poster-Convention der Siebdrucker, auch das erste mal 2002 in San Francisco und findet dort regelmäßig statt, zum Beispiel im Rahmen des SXSW. Und das Ganze mit mehr als ein paar verprengten Zeltchen und Besuchern. Wenn man sich die Geschichte der Posterkunst anschaut, und gerade die Entwicklung des Musikplakats, um die es ja im Kernpunkt geht, ist es schon erstaunlich, dass es sowas nicht schon seit den 60er Jahren gibt.

Mara Piccione, Groningen

Wenn das mit dem Reeperbahnfestival nächstes Jahr wieder so schlecht läuft, sollte man die mal auf die Pop Up-Musikmesse in Leipzig schicken. Oder auch unabhängig davon - schließlich gibt es in Europa bisher noch nicht und richtig vermarktet findet so eine Veranstaltung sicher viele Freund/innen.

Andreas van Iterson, Groningen

Percussionist

2007-09-10T22:33:00.000+02:00

"Wir sind kein neutrales Museum"

2007-08-30T18:26:00.001+02:00

eine kürzere Version dieses Artikels ist in der taz vom 30.8.07 zu finden

Von Barbara Mürdter

Ein neues Museum in Liverpool erinnert an die Transatlantische Sklaverei und ihre Folgen. Dabei liegt der Schwerpunkt der Betrachtung auf dem Widerstand, den die Sklaven und ihre Nachfahren gegen ihre Unterdrückung leisteten und ihrem kulturellen Erbe

Im dunklen Oval ist der Betrachter von vier großen Bildschirmen umgeben. Darauf ist ein schwarzer Mann zusehen. Er liegt nackt in Ketten auf schaukelnden, knirschenden Schiffsplanken. Sein Gesicht ist schmerzverzerrt, er stöhnt leise, übergibt sich. Diese Installation mit künstlerisch verfremdeten Blick ist der Versuch einer Annäherung an eines der schlimmsten Verbrechen der jüngeren Menschheitsgeschichte. Sie ist vergleichsweise harmlos gegenüber dem Undarstellbaren, was wirklich geschah und überlässt viel der Fantasie. „Es ist unmöglich heute wirklich nachzuempfinden, was damals auf den Sklavenschiffen geschah,“ sagt Richard Benjamin, Direktor des neu eröffneten International Slavery Museums in Liverpool über das Herzstück der Ausstellung.

Das neue Museum ist ein Renommierstück mit einem Gesamtetat von etwa fünfzehn Millionen Euro, was sich Großbritannien anlässlich des 200. Jahrestags der gesetzlichen Abschaffung des Sklavenhandels in Großbritannien leistet. Das politische und kulturelle Establishment, inklusive Queen, Anglikanischer Kirche und politischer Prominenz, würdigt den Anlass das ganze Jahr über mit Festakten und Veranstaltungen. Jedes Museum, das etwas auf sich hält, kramte in seinem Fundus etwas aus, das zum Thema passte oder gab eigene Ausstellungen - wenn oft auch nur kleine - in Auftrag. Im Mittelpunkt stehen vielfach prominente Sklavereigegner, allen voran William Wilberforce, der das Gesetz im Parlament durchkämpfte. Man klopft sich selbst auf die Schulter für die Leistungen derjenigen Landsleute, die, zumeist aus christlich-moralischen Motiven, die Grausamkeit der Sklaverei ablehnten und gegen sie aktiv wurden. Zudem feierte man ein historisches Ereignis – es ist ja alles schon 200 Jahre her und lange vorbei.

Die Nachfahren der Sklaven und die Menschen in den vom Sklavenhandel verwüsteten Regionen Westafrikas sehen das allerdings anders. Nicht nur dass sie die von den meisten Weißen als Unfug betrachteten Diskussionen um eine offizielle Entschuldigung des britischen Staatsoberhaupts und gar Wiedergutmachung wieder anfingen. Sie stellten auch die Frage: Ist das nicht eine verkehrte Welt, in der sich das Volk der Täter und Profiteure als Befreier der armen Sklaven stilisieren? Sie legten Wert auf den vor allem von schwarzen Historikern in den letzten Jahren untermauerten Fakt, dass die Sklaven nicht einfach passive Opfer waren, sondern trotz der unwürdigen Umstände und ihres geringen Handlungsspielraums aktiv für ihre eigene Befreiung gekämpft haben.

Diese Sichtweise bestimmte auch die Konzeption der Ausstellung – und das ist neu. Sie beginnt mit der Verpflichtung: „Wir werden uns erinnern.“ Das ist die Antwort auf die Aussage des ehemaligen Sklaven William Prescott, die am Anfang der Museumstour steht: „Sie werden sich daran erinnern, dass wir verkauft wurden, aber nicht daran, dass wir stark waren. Sie werden sich daran erinnern, dass wir gekauft wurden, aber nicht daran, dass wir mutig waren.“

Im ersten Teil wird die Reichhaltigkeit der Kultur in Westafrika vor und zur Zeit des transatlantischen Sklavenhandels dargestellt. Vitrinen mit Produkten der Handwerkskunst, aber auch Verweise auf das intellektuelle Leben - vor allem unter dem Einfluss des Islam - sind um den Nachbau einer Hütte des Ibo-Stammes geschart.

Der zweite Raum, in dessen Mitte die Installation der Schiffspassage steht, beschäftigt sich mit der Zeit der Versklavung und ist das Kernstück der Ausstellung. Das Leben auf den Plantagen wird in zeitgenössischen Bildern und Modellen gezeigt. Schaukästen sind mit Artefakten gefüllt, die den Reichtum symbolisieren, die die Händler und Sklavenhalter anhäuften. Auf der anderen Seite stehen die Folgen, den der Menschenraub für Wirtschaft und Kultur in Westafrika hatte. Auf Karten werden nüchterne Zahlen von Transportquantitäten und Umsätzen genannt. Im Ohr immer der stöhnende Mann auf den Planken und die klagende Rezitation eines Textes über das Los der Verschleppung.

Auch hier wird der Sklave als aktiv Handelnder beschrieben, der Freiheit erkämpft, wo er kann – auch wenn man sich damit dem Vorwurf der Romantisierung aussetzt, so Benjamin: „Der Grundtenor unserer Ausstellung ist der Widerstand.“ In dem man ein Ölbild aus dem 19. Jahrhundert ausstellt, auf dem ein entflohener Sklave mit der Axt gegen Hunde kämpft, die auf ihn gehetzt wurden, bricht man mit der rassistischen Vorstellung, dass der schwarze Sklave sich nicht selbst wehren konnte. Ein wurde wichtiger Diskussionspunkt in der gegenwärtigen Debatte wurde aber völlig ausgespart: die Rolle schwarzer Stammesfürsten, die ihre eigenen Landsleute gegen europäische Waren eintauschten. Dabei hätte man denjenigen, die damit die europäische Schuld an diesem Verbrechen relativieren wollen, mit einer geschichtlich korrekten Darstellung durchaus den Wind aus den Segeln nehmen können.

Der dritte Raum befasst sich mit dem Erbe der Sklaverei. Das ist der mutigste Teil der Ausstellung, weil er sich mit umstrittenen Themen wie Rassismus in der gegenwärtigen britischen Gesellschaft und Wiedergutmachungszahlungen auseinandersetzt. Eine Figur in einem offensichtlich getragenen Ku-Klux-Klan-Outfit ist dazu verdammt, für die Existenzzeit der Ausstellung auf eine Wand zu starren, auf der die Befreiung Afrikas aus dem Kolonialjoch und die Emanzipation der Afroamerikaner dargestellt wird. Aber dem Ausstellungsansatz entsprechend wird vor allem Wert auf die kulturellen Leistungen gelegt, mit denen die afrikanische Diaspora die westliche Kultur verändert hat. Geschichten von Diaspora-Mitgliedern werden erzählt, von ihren Erfolgen und ihrer Suche nach den Wurzeln.

Lateinamerika kommt dabei, wie in der gesamten Ausstellung, zu kurz, während dann merkwürdiger Weise wieder afrikanische Ex-Kolonien Großbritanniens ins Spiel kommen, die nicht direkt vom transatlantischen Sklavenhandel betroffen waren. Da hat man sich, wie auch an anderen Stellen der Ausstellung, in der Komplexität des Themas etwas den Faden verloren.

Überhaupt gibt es im Museum einige gut gemeinte Ansätze, die nur bedingt gelungen sind. So betont Benjamin ein ums andere Mal, wie wichtig die innovative technische Präsentation des neuen Museums sei. Das Publikum hätte seine Erwartungshaltung in den letzten Jahren sehr verändert. Tatsächlich blinkt und spricht und mäandert es an allen Ecken und Enden – trotzdem wirkt die Präsentation insgesamt zwar aufwendig, aber eher konventionell. Die liebevoll gebastelten kleinen Modelle einer Plantage und eines Sklavenschiffs könnte man fast putzig nennen, wäre das Thema nicht so Ernst. Dafür kann man sich schnell überfordert fühlen, wenn man von allen Seiten zugequatscht wird und zudem noch diesen oder jenen Sound aufs Ohr bekommt und sich dabei auf nichts speziell konzentrieren kann. Selbst in dem von einem Voodoo-Priester eingerichteten Gedenkaltar für die Vorfahren, der einen Ort des Innehaltens anbieten soll, findet man keine Ruhe. Da sind die verschiedenen Stationen hilfreich, in denen man sich kurze Filme zu Teilaspekten wie Entwicklung bestimmter aktueller Musikstille aus afrikanischen Wurzeln anschauen kann – und der Ton kommt über Kopfhörer. Im Zweifelsfall kann man auch mal die Pausentaste drücken.

Auch dass das Museum sehr stark auf Pädagogik und die Arbeit mit Kindern zugeschnitten ist kann nerven, wenn man älter als zwölf und mit einem zumindest durchschnittlichen IQ gesegnet ist. Allerdings darf man nicht vergessen, wie wichtig gerade dieser Aspekt ist : Bis heute ist der transatlantische Sklavenhandel kein verpflichtender Teil des Unterrichtsstoffes an britischen Schulen. Viele schwarze Briten erfuhren im Zusammenhang mit dem Jahrestag zum ersten mal Details aus ihrer eigenen Vergangenheit. „Spätestens nächstes Jahr soll das im ganzen Land fest im Lehrplan stehen,“ hofft Benjamin. Das Museum bietet eine Lernstation und Anleitung durch geschultes Personal, um Kindern und Jugendlichen das Thema nahezubringen. In Phase II des Museumsbaus soll 2010 ein neues Gebäude fertig gestellt werden. Hier wird neben einer weiteren Ausstellung zu modernen Formen der Sklaverei auch ein separates Forschungs- und Bildungszentrum entstehen.

Sehr kritisch anzumerken ist zum Schluss, dass eine Ausstellung zur schwarzen Geschichte, wie sie gegenwärtig zu sehen ist, offenbar zum Großteil von weißen Wissenschaftlern konzipiert wurde – und es auch niemandem aufzufallen scheint. Denn hier spielt die Hautfarbe eine Rolle. Schwarze Briten haben nicht nur ihre eigene Perspektive auf Rassismus heute, den sie am eigenen Leib erleben, sondern auch ihre Familiengeschichten, die untrennbar mit der Sklaverei verbunden sind. Benjamin, der in Yorkshire aufwuchs und dessen Vater in den 50er Jahren aus Guayana einwanderte, wurde erst im November letzten Jahres an Bord geholt, eine schwarze Arbeitsgruppe gar erst vor Kurzem eingerichtet. Laut Benjamin besteht zwar ein enger Kontakt zur Schwarzen Gemeinde in Liverpool, die regelmäßig über die Entwicklung im Museum informiert und um ihre Meinung gebeten würde. Aber kein Wort davon, dass sie in erster Linie um Anregungen und Ideen gefragt wurde, oder dass ihren Mitgliedern eine zentrale und auch vernünftig bezahlte Rolle in der Gestaltung zugestanden worden wäre.

„Wir haben sicher nicht alles richtig gemacht,“ betont Benjamin. „Wir sind immer offen, Sachen hinzuzufügen und zu verändern. Wichtig ist, dass wir Diskussionen anregen. Wir wollen die Leute in ihrem vorgefertigten Denken herausfordern. Wir sind kein neutrales Museum.“

International Slavery Museum, Albert Dock, Liverpool, Großbritannien
Öffnungszeiten täglich von 10 bis 17 Uhr

Audio:
Interview mit Richard Benjamin, Direktor des International Slavery Museums hören.

Jazzmatazz

2007-07-14T00:17:00.000+02:00

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Vater

2007-07-12T22:41:00.000+02:00

Was es heißt, schwarz zu sein

2007-07-10T13:08:00.000+02:00

aus: langeleine vom 27. Juni 2007/ Copyright Text und Fotos: Barbara Mürdter

Über den allgegenwärtigen Rassismus: Ein Gespräch mit Frank Castorf und seinen brasilianischen Schauspielern, die das in dem südamerikanischen Land inszenierte Stück “Schwarzer Engel” nun als Gastspiel in Berlin zeigen

In keinem anderen Land der Welt sind die Rassen so vermischt wie in Brasilien. Nach der späten Abschaffung der Sklaverei (1888) gab es nie eine offizielle Segregation. Stefan Zweig schwärmte Mitte des 20. Jahrhunderts: “Es ist rührend, schon die Kinder, die alle Schattierungen der menschlichen Hautfarbe abwandeln – Schokolade, Milch und Kaffee – Arm in Arm von der Schule kommen zu sehen.” Doch was öffentlich nicht benannt werden darf, als beschämend und unhöflich gilt, zeigt sich in Statistiken und Alltagserfahrungen: Brasilianer mit afrikanischen Vorfahren haben die schlechteren Karten im Leben - aufgrund von mangelnden Bildungschancen, einer höheren Gewaltrate aber auch von Vorurteilen, die bereits in der Kindergarten-Erziehung angelegt sind, weil die Erzieherinnen und Lehrerinnen mit weißen Kindern anders umgehen als mit schwarzen. Das Bitterste: Auch die Afro-Brasilianer selbst haben diese Negativ-Klischees verinnerlicht.

Ismael quält seine Frau aus Hass auf die eigene Hautfarbe - Szenenbild aus Frank Castorfs “Schwarzer Engel”

Parabel auf die Rassenproblematik

Der schwarze Selbsthass und die dahinterliegende Rassenproblematik wurden bereits 1946 von dem populären brasilianischen Schriftsteller Nelson Rodrigues in dem Stück “Schwarzer Engel” aufgegriffen. In seiner Parabel auf das Rassenverhältnis in seinem Land beschreibt er einen schwarzen Arzt, der voll von Selbsthass und in dem Begehren, weißer zu werden, eine weiße Frau vergewaltigt. Er heiratet sie, und die Frau bringt ihrerseits in ihrem Hass ihre halbschwarzen Söhne regelmäßig um. Die Figuren sind in einem Kreislauf gegenseitiger Abhängigkeiten verstrickt.

Frank Castorf griff die brisante Vorlage auf und wurde für eine Inszenierung in Sao Paulo engagiert, nachdem er dort sein “Dickicht der Städte” aufgeführt hatte. Zu seiner Entstehungszeit sei der Stoff skandalös gewesen, voller Tabus, sagt Castorf. Nicht nur wegen der sexuell-pornografischen Seite des Stücks und dem offensiven Umgang mit der Rassenproblematik, sondern auch, weil der Hauptdarsteller ein Schwarzer war: “Damals musste der dann von einem weißen Schauspieler, der schwarz geschminkt war, gespielt werden.” Weil ihm Rodrigues’ Stück aber zu nihilistisch gewesen sei, ergänzte Castorf es mit Versatzstücken aus Heiner Müllers “Der Auftrag” - einem Stück über den gescheiterten Versuch des Exports der französischen Revolution nach Haiti. Er wolle damit zeigen, dass “manche Menschen in bestimmten Situation die Welt verändern können.”

Ein brasilianischer Autor, ein deutscher Autor und das Thema Rassismus

Der Autor Nelson Rodrigues ist ein Säulenheiler der brasilianischen Kultur, fast schon ein bisschen langweilig für die Einheimischen. Eine Schauspielerin sagt: “Uns hat Castorfs subversiver Umgang mit dem Rodrigues-Text fasziniert. Das Sich-in-den-Anderen-Einfühlen, um ihn zu verstehen, kommt im Original nicht vor.” Die Schauspieler seien wiederum von dem in Brasilien weitgehend unbekannten Müller und seiner Beschäftigung mit dem Aufstand in Haiti angetan gewesen, da sie sich inhaltlich identifizieren konnten, wenn da ein Schwarzer zum Beispiel sagt: “Ich habe gesagt: Sklaven haben keine Heimat. Das stimmt nicht. Die Heimat der Sklaven ist der Aufstand.” Und im weiteren Monolog den Begriff des Sklaven auf eine Ebene jenseits der Rasse auf die der Ausgebeuten hebt.

“Ob man sich als afro-brasilianisch bezeichnet, ist eine politische Entscheidung”: Eine junge Schauspielerin aus Castorfs Team überprüft ihr Aussehen

Dass das Thema Rassismus, das Castorf hier auf einer abstrakt-ästhetischen Ebene verhandelt, in der brasilianischen Gesellschaft hochaktuell ist, meinen sowohl Castorf als auch seine brasilianischen Schauspieler. “Rassismus ist in Brasilien viel gegenwärtiger, als es das offizielle intellektuelle Brasilien wahrhaben will”, sagt der Regisseur. Momentan gäbe es eine hitzige Diskussion um Quoten für schwarze Studenten an Universitäten. Derzeit sind nur 4% der Studierenden Afro-Brasilianer, bei einem Bevölkerungsanteil von fast 50%. Weiter berichtet Castorf: “Während Sao Paulo noch recht aufgeklärt ist, muss man nur mal nach Salvador gehen - da sind die Lebensbedingungen nicht anders als in manchen Gegenden Afrikas. Es besteht eine extreme Ungleichheit. Man merkt da die extreme Wichtigkeit, wenn man sagt, lass uns doch zusammenschließen und mal etwas Anderes machen.”

“Im brasilianischen Theaterwesen findet man selten so viele Schwarze auf der Bühne”

Als Castorf junge schwarze Schauspieler suchte, wurde er an der Universität von Sao Paulo fündig. Er führte Gespräche mit mehreren Studenten und traf auf die schwarze Theatergruppe “Filhos de Olodum”. “Das war das erste Mal, dass sie so eine afro-brasilianische Gruppe gegründet und offen ausgedrückt haben, dass sie andere Interessen haben als die anderen,” erzählt Castorf. Gal Quaresma, Mitglied der Gruppe, berichtet: “Wir haben uns zusammengesetzt und diskutiert, was es heißt, schwarz zu sein, worüber wir als afro-brasilianische Schauspieler speziell sprechen wollen, wie wir als Schauspieler sein wollen. Und wie wir der Tatsache begegnen, dass es als Schwarzer schwerer ist, als Schauspieler zu leben.” Die politische Einstellung zum Thema Rassismus war ein Punkt, der Castorf, welcher überlegt hatte mit Profis zu arbeiten, überzeugte, die Schauspielstudenten zu engagieren.

Castorf besetzt “weiße” Rollen schwarz und umgekehrt

Auch heute noch “findet man es selten im Theaterwesen Brasiliens, dass so viele schwarze Schauspieler auf der Bühne sind”, meint Castorf in Anbetracht seiner Inszenierung. Die schwarze Schauspielerin und Sängerin Denise Assunção hat Castorf für die Hauptrolle der weißen Virgínia bewusst “falsch” besetzt - so wie umgekehrt die schwarze Hauptperson Ismael von einem Weißen gespielt wird. Denise Assunção bestätigt den Eindruck, dass in den brasilianischen Medien allgemein Weiße überproportional repräsentiert würden und Schwarze zumeist nur in Klischee-Rollen zu sehen seien. Sie fügt hinzu: “Es wird langsam etwas besser.” Assunção steht seit Ende der 60er-Jahre auf der Bühne. Sie muss aber bis heute wegen ihres Äußeren, das nicht mit den gängigen Schönheitsidealen von (weißer) Weiblichkeit übereinstimmt, häufig andere Jobs annehmen, um zu überleben: “Wenn man schwarz ist und zudem eine breite Nase und dicke Lippen hat, gilt das als unweiblich.” Selten hat sie Glück, dass ein Regisseur sie gerade wegen des “anderen” Aussehens engagiert.

“Ein Lachen über die eigenen Schmerzen”

In Brasilien hat das Bühnenstück “Anjo Negro”, wie “Schwarzer Engel” im Original heißt, obwohl es so schmerzhaft und brutal ist, bei den Zuschauern zum Teil eine gewisse Heiterkeit erregt: “Das war eher ein Lachen aus Unbehagen, mit Dingen konfrontiert zu werden, die man verdrängt. Und auch ein Lachen über die eigenen Schmerzen - ein Freimachen davon. Und weil es keine Rassenreinheit in Brasilien gibt, ist jeder irgendwie ein wenig selbst betroffen und darf auch lachen,” meinen die Schauspieler. Jüngst beim Festival Theaterformen in Hannover zu Gast, ist Frank Castorfs “Schwarzer Engel” heute und morgen im Rahmen der Brasilianischen Woche an der Volksbühne Berlin zu sehen.

Audio:

Interview mit Frank Castorf zu "Angelo Negro" ("mp3)

Weiterlesen:
Interview mit Castorf in der Welt
Kritik an Castorfs Inszenierung bei ostblog.de
Rezension auf Nachtkritik
Rezension in der taz

Make Love not War

2007-07-10T12:38:00.000+02:00

gekürzte Version erschienen in der taz vom 10.7.2007

Vermeintliches Sexfilmchen wird zum Schlager der neuen EU-Plattform auf dem Videoportal YouTube

Besser hätte es für die Macher nicht kommen können: Mit einem Skandälchen verschaffte sich der neue YouTube-Kanal der Europäischen Union unerwartete Popularität. Ein paar EU-Mitarbeiter hatten sich getraut, den Schlipsknoten mal ein bisschen zu lockern. Sie schnitten für eine Werbekampagne für das EU-Filmförderprogramm MEDIA Szenen aus preisgekrönten europäischen Filmen zusammen, zu emotionalen Themen wie Liebe, Trauer und Freundschaft – und, mehr als Geck, zum Thema Sex.

Im Clip, der bei YouTube unter „Film Lovers Will Love this“ läuft, werden in 44 Sekunden 18 Liebesszenen gezeigt. Hektisch werden da Sachen vom Leibe gerissen, es wird ein wenig gestöhnt und das Geschirr wackelt im Takt der Körper. Alles mit viel Witz und ohne dass ein Fitzelchen Fleisch von der „falschen“ Stelle zu sehen ist. Das Ganze störte lange Zeit auch niemanden. Die Werbefilme waren bereits im Februar auf der Berlinale gezeigt worden und seitdem auch auf den entsprechenden EU-Seiten zu sehen. Mitte Juni wurden sie – noch immer unter Ausschluss der breiteren Öffentlichkeit – auf YouTube gestellt.

Erst als am 29. Juni der EU-YouTube-Kanal offiziell eröffnet wurde, entdeckten britische Blätter den Stein des Anstoßes unter den knapp 50 präsentierten Videos – weltweite Medienaufmerksamkeit von Europa über die USA bis Indien folgte. Zumeist handelte es sich um sachliche, leicht amüsierte Berichterstattung und es gab Zustimmung. Von konservativer Seite wurde jedoch auch ernsthafte Sorge - bis Verdammnis des Spots als „Pornografie“ - geäußert. Im harmlosen Fall wurde der Untergang der europäischen Kultur befürchtet, weil das Filmchen zu locker und oberflächlich daherkommt - die ganz Harten sahen eine "sozialistische Diktatur" im Anzug, inklusive moralischem Verfall.
Übel stoßen die leider fast schon zu erwartenden Beschwerden aus Polen über das homosexuelle Paar auf, das sich ganze zwei Sekunden vor ihren gekränkten Augen wälzt. Da mag man nur noch sagen: Ja dann geht doch wieder raus. Aber andererseits möchte man die schwulen und lesbischen Polen mit solchen Leuten auch nicht allein lassen.

Wenn Godfrey Bloom, Mitglied des Europäischen Parlaments von der europakritischen britischen Independence Partei meint, das Video sei so peinlich „wie einem älteren Verwandten zuzuschauen, der versucht cool zu sein,“ mag man allerdings fast lächeln. Das biederen blau-gelben Design des EU-YouTube-Portals erscheint in der Tat wie das Äquivalent zum grauen Beamtenanzug - und auch der Lehrfilmcharakter der meisten Videos zu EU-relevanten Themen von Immigration bis Veränderungen auf dem Zuckermarkt wird kaum junge Zuschauer hinter dem Ofen hervorlocken.

Die reflexartige Aufschrei, dass für so etwas Albernes respektive Geschmackloses oder - Oh mein Gott – Unanständiges ja wieder Steuergelder verschwendet würden geht allerdings völlig in die Leere. Eher hat hier die EU mal ein Lehrstück für billige, effektive Werbung vorgeführt: Die Filme – aus vorhandenem Material geschnitten – kosteten je 350 Euro, YouTube bietet wie für Privatnutzer seine Dienste umsonst an. Innerhalb einer Woche kam der „Sex“-Clip von wenigen Tausend auf bis jetzt über 3 Millionen Hits. Ein traurigeres Schicksal hat da das einsame Video auf dem YouTube-Kanal der britischen Regierung, das seit Februar noch keine 300 Zuschauer gefunden hat. Noch ein Argument für den Werbespruch des EU-Werbeclips: "Kommt zusammen".

EUtube Hauptseite (englisch)
Deutsche Seite von EUtube (noch ohne das Video, das es allerdings mit deutschem Abspann gibt
Seite des MEDIA-Programms, wo es auch die vier Werbefilme zu sehen gibt

Das Ende der Bohème

2007-07-09T19:18:00.001+02:00

Foto: Wikipedia/Gyrofrog

Text: Barbara Mürdter

Eigentlich war nur eine Frage der Zeit in Anbetracht der städtebaulichen Entwicklung in Manhatten: Nach der Schließung des CBGB aufgrund massiver Mieterhöhungen im Oktober 2006 geht es jetzt auch dem Chelsea Hotel an den Kragen. Am 18. Juni ist der heute 73jährige Stanley Bard aus dem Management gedrängt worden. 1955 hatte er das Hotel übernommen, das sein Vater - mit zwei Teilhabern - in den 40er Jahren gekauft hatte. Er führte es als Familienbetrieb, den sein Sohn David weiterführen sollte. Die Erben der Miteigentümer setzten durch, dass für ihn nun die Managementgesellschaft DB Hotels eingesetzt wird, die schon einige Hotels in Manhatten auf den neuesten Stand gebracht haben - allerdings dem Zeitgeist entsprechend, der wenig mit dem zu tun hat, was das legendären Hotel repräsentiert.

Das hatte über Jahrezehnte berühmte Schriftsteller, Musiker und Künstler beherrbergt, oft als Dauerresidenten, bei denen der Chef auch mal ein Auge zudrückte, wenn die Miete nicht pünktlich kam - wobei es allerdings eine Legende sein soll, dass er einige auch umsonst wohnen ließ. Hier enstanden zentrale Werke der US-amerikanischen Kultur - und das Hotel war Ort diverser persönlicher Dramen wie dem (nie geklärten) Mord von Nancy Spungen durch Sid Vicious. Dylan Thomas trank sich hier zu Tode, Arthur Miller schrieb im Zimmer 711 sein Erfolgsstück A View from the Bridge zur Operette um, Arthur C. Clark verfasste im Chelsea Hotel das Jahrhundertwerk "2001 - Odyssee im Weltall". Leonard Cohen verbrachte hier eine Nacht mit Janis Joplin - und verewigte das Erlebnis in seinem Song "Chelsea Hotel", Andy Warhol filmte hier eine "Superstars", im Film "Chelsea Walls" von 2001 mit Ethan Hawke (und der Musik von Wilco) war die Legende des Hotels und der darin lebenden Künstler selbst Thema.

Foto: Wikipedia/Calton

Das Haus selbst - 1883 als Appartmentblock erbaut - ist Anno 2007 wohl ziemlich abgerockt - das Ambiente ist schmuddelig, Stromkreisläufe halten der neumodischen Doppelbelastung von Computer und Haartrockner nicht mehr Stand und überhaupt ist das Hotel im den letzten 30 Jahren völlig neu renovierten Manhatten ein Anachronismus. Es ist ein letztes Überbleibsel der Bohème-Kultur, welche die Stadt im 20. Jahrhundert zum kreativen Nabel der Welt, zum Sehnsuchtsort vieler Künstler und Kulturinteressierter werden ließ, die das Lebensgefühl ausmachte, was man mit New York verbindet. Diese Kultur war durch die Sanierung Manhattens und die dadurch ins Maßlose gestiegenen Immobilienpreise auf der Halbinsel in den letzten Jahren immer mehr verdrängt worden und ist heute kaum noch existent, da sich kaum ein Künstler - außer er heißt David Bowie - die exorbitanten Mieten bzw. Kaufpreise hier leisten kann. Dafür sind die Immobilien hier so attraktiv für Spekulanten, dass ihnen jedes Mittel Recht ist, unliebige und nicht entsprechend zahlungsfähige Mieter bzw. Altbesitzer wegzugraulen.

Jetzt bestehen nicht ganz unberechtigte Befürchtungen, dass das Hotel der bereits stark aufgeschickten Umgebung angepasst werden soll. Die neuen Manager haben bereits eine Renovierung angekündigt - allerdings wollen sie angeblich den alten Charakter des Hotels aufrecht erhalten und es sogar wieder zum Ruhm seiner alten Tage zurückführen. Allerdings nach der zu erwartenden Mietanpassung ohne die Mehrheit seine Dauerbewohner, die immerhin 2/3 der Gäste ausmachen - viele von ihnen können schon jetzt die für die Gegend unschlagbar billige Miete von unter 1000 Dollar im Monat kaum aufbringen. Zudem beobachtete ein Reporter des Independent, dass die neuen Manager bei der Zimmerbesichtigung kaum verbergen konnten, wie angewidert sie vom Zustand des Hotels waren. Hotelbewohner, die ebenfalls bezweifeln, dass die neuen Manager Sinn für die Geschichte des Ortes und den Willen, diese zu respektieren haben, führen seit einiger Zeit einen Blog. Hier sammeln sie kritische Infos und Links zu Artikeln über das Hotel.

Ein wunderbar beobachtes, wissendes und unter all seiner Sachlichkeit zutiefst leidenschaftliches Buch über die kulturelle, wirtschaftliche, soziale und politische Entwicklung New Yorks in den 1980er bis in die frühen 2000er Jahre, in deren Kontext auch die Subkulturen der letzten Jahrezehnte und deren Veränderungen zu sehen sind, hat der Journalist Andrian Kreye verfasst: "Broadway Ecke Chanal" (2004, Droemer/Knaur, ISBN: 3426777517).

Foto: Wikipedia/Daniel Schwen

Brussels

2007-07-06T18:15:00.000+02:00

Although the Congo Free State was not officially a Belgian colony, Belgium was its chief beneficiary, in terms of its trade, the employment of its citizens, and the wealth which Leopold extracted which was used for the construction of numerous fine public buildings in Brussels, Ostend and Antwerp. This led to him being remembered in Belgium today as the 'Builder-King'. Through the Royal Trust he left most of his property to the nation.

Cirque Désaccordé, Marseille

2007-06-16T17:31:00.001+02:00

Website Cirque Désaccordé

Indie

2007-06-16T17:15:00.000+02:00

Gesehen auf der fünften Pop-Up in Leipzig 2006.

Patti Smith und Fan

2007-06-13T16:01:00.000+02:00

Mehr zu Patti Smith.

Musikalische Gehhilfen

2007-06-05T20:15:00.001+02:00

Foto Copyright: Metro.co.uk/Pressefoto

Wahrscheinlich haben sie von YouTube noch nie was gehört, bevor ihr eigenes Video da lief, und MP3 und Internet waren Fremdwörter. Die Rolling Stones könnten ihre Kinder oder gar fast ihre Enkel sein, The Who, deren Song "My Generation" sie jetzt coverten, haben sie zu deren besten Zeiten wohl kaum noch wahrgenommen - das Freizeitvergnügen ihrer Jugend war eher der klassische 20er bis 40er-Jahre Tanztee mit Schlagern und Novelty-Songs. Das Kühnste war wahrscheinlich ein fescher Swing.

Die Rede ist von den aktuellen Chartsstürmern in Großbritannien, The Zimmers. Die Rentnerband mit dem selbstironischen Namen "Die Gehilfen" ist mit ihrer Debütsingle der neue Hype bei den Briten. Das Album soll demnächst folgen. Bei 40 Mitgliedern ist dafür gesorgt, dass nicht gleich alles zusammenbricht, wenn mal der eine oder die andere unter die Erde kommt - was man trotzdem nocht hoffen will. Schon die Lebensgeschichte vom Leadsänger Buster Martin liest sich so unglaublich, dass man an deren Wahrheitsgehalt zweifelt.

Mit ihrer Debütsingle will der englische Buena-Vista-Socialclub, der sich allerdings zuvor zum Großteil noch nie öffentlich musikalisch betätigt hat, unter anderem auf die Situation älteren Menschen in Großbritanien aufmerksam machen. Zum einen soll gezeigt werden, was sie noch auf dem Kasten haben und zum anderen will man das Geld, das mit dem Album eingenommen wird, anderen Alten spenden, die nicht mehr so gut in Schuß sind wie die fidele Band. Initiiert wurde das Projekt vom BBC-Journalisten Tim Samuels, der einen Dokumentarfilm über die Probleme alter Menschen drehte.

Histories

2007-06-02T23:08:00.000+02:00

The hands of art critic, AIDS activist and Warhol expert Douglas Crimp.

In der ersten Reihe

2007-05-26T22:55:00.000+02:00

Fans warten auf Maximo Park in Hannover.

Festival Theaterformen

2007-05-17T12:49:00.000+02:00

Stefan Schmidke, Leiter des Festivals Theaterformen.

Campfire Music

2007-04-14T20:30:00.000+02:00

Hannover's Donovan

2007-04-14T20:29:00.000+02:00

Night

2007-02-24T20:42:00.000+01:00

A Walk around Brixton Market and Coldharbor Lane

2007-02-16T22:32:00.000+01:00

More on food on Brixton Market here

Copyright: Barbara Mürdter

Gimme a Pigfoot - A Look on Food on Brixton Market

2007-02-16T18:53:00.000+01:00

More pictures of Brixton Market here

Schlagzeuger

2006-11-30T11:49:00.000+01:00

Glauben

2006-11-19T23:53:00.000+01:00

Zweimal Heimat - Zur Niederschlagung des Ungarn-Aufstands am 4. November 1956

2006-10-24T13:33:00.000+02:00

Am 4. November vor 50 Jahren wurde der Aufstand in Ungarn von sowjetischen Truppen blutig niedergeschlagen. Historische Ereignisse wie dieses schreiben nicht nur große Geschichte, sondern sie bedeuten auch oft massive Brüche im Leben von „normalen“ Menschen, die in ihren Sog geraten.

Einer von ihnen ist der heute 70jährige Josef Varga. Er lebt mit seiner Frau in einem hannoverschen Vorort, hat hier ein Häuschen mit Garten. Im Sommer sitzt er gern an seinem selbst angelegten Teich und liest und schreibt. Hin und wieder kommen die beiden erwachsenen Söhne vorbei oder er besucht die Familie seiner Frau im Schwarzwald. Auch wenn er inzwischen ein „Deutscher“ geworden ist, hängt sein Herz noch immer an seiner ersten Heimat, die er unfreiwillig verlassen musste. Varga war einer der 180.000 Menschen, die nach dem gescheiterten Aufstand oft innerhalb weniger Tage aus ihrer Heimat fliehen mussten. In Deutschland begann er, ganz auf sich allein gestellt, ein neues Leben.

Audiobeitrag (mp3, 8:48)

Ausführlicher Artikel bei "langeleine.de"

James Last

2006-10-03T13:03:00.000+02:00

Arbeiter

2006-09-28T21:33:00.000+02:00

Desire Exists Where Pleasure Is Absent

2006-09-13T20:07:00.000+02:00

Barbara Kruger in der Kestnergesellschaft Hannover

Audiobeitrag

Hallo!

2006-09-13T15:37:00.000+02:00

Mehr kommt.

"Dass da immer jemand ist, der es billiger macht, den Unterbietungswettbewerb nicht höhnisch verlacht, sondern das Oben achtet und es sportlich nimmt und den nötigen Schuss Fügsamkeit nun mal unten zu sein mitbringt"
(Die Goldenen Zitronen / Lied der Stimmungshochhalter / Lenin)